O adeus a Peter David

"Não existem finais felizes. Nunca. Eles são totalmente inventados por escritores de ficção que escolhem terminar a história com um ponto alto".

PETER DAVID 

Foi divulgado recentemente na mídia especializada o falecimento de um dos mais talentosos e reverenciados roteirista de histórias em quadrinhos, o incrível Peter David, aos 68 anos.

Nascido em 1956 no estado de Maryland, teve uma passagem muito marcante por duas das editoras mais famosas do mundo. Para a Marvel, no final dos anos 1980, redefiniu o personagem Hulk e modernizou muitos dos conceitos criador lá nos anos 1960 por Jack Kirby e Stan Lee.

Ao lado do desenhista Todd McFarlane, escreveu algumas das histórias mais emblemáticas com o Hulk cinza e criou o Senhor Tira-Teima, uma das personalidades mais sacanas de Bruce Banner que era o leão-de-chácara de um poderoso criminoso da cidade.

Para o Homem-Aranha, ele escreveu um dos arcos mais memoráveis da minha vida que foi a Morte da Capitã Jean DeWolff — que eu já devo ter citado algumas vezes por aqui, e uma das imagens dessa HQ está até no banner principal do blog.

Na época dos formatinhos da Editora Abril, essa história chegou às minhas mãos quando eu devia ter uns 11 ou 12 anos. A narrativa era muito mais séria e dramática do que eu estava acostumado a ler com o meu super-herói favorito e acho que foi isso que me marcou tanto.

No enredo, um assassino mascarado denominado “Devorador de Pecados” começa a matar figuras públicas da cidade de Nova York, colocando o Homem-Aranha e o Demolidor em uma investigação conjunta para descobrir a real identidade do criminoso, além de frear as suas ações.

Para Peter Parker, a coisa é levada para o lado pessoal quando o Devorador mata a capitã de polícia Jean DeWolff — uma de suas únicas aliadas dentro do departamento — e, quando mais tarde ele tenta matar Betty Brant, a secretária de J.Jonah Jameson — que era o verdadeiro alvo do cara — e antigo affair de Peter.

Para Matt Murdock, é seu lado advogado que fala mais alto. Uma das vítimas é um juiz com quem ele já havia trabalhado antes e o herói cego sai pela cidade em seu uniforme de Demolidor na intenção de prender o Devorador de Pecados e fazer com que a justiça seja cumprida.

Para Peter, no entanto, é o sentimento de vingança que fala mais alto, o que coloca os dois vigilantes em lados opostos, os fazendo, inclusive, sair no soco para provar o seu ponto.

A luta entre os dois me marcou bastante também porque foi a primeira vez que vi o Aranha levando a pior. Peter David criou um roteiro de cinema em duas poucas edições — na Abril, a nº 87 e 88 do Homem-Aranha — e aquilo foi o bastante para deixar o pequeno Rod Rodman impactado para o resto da vida.

Ainda falando de Homem-Aranha, mas de um futuro muito distante, agora ao lado do talentoso artista Rick Leonardi, Peter David desenvolveu todo o conceito do Homem-Aranha 2099.

Naquele tempo, nada sequer parecido tinha sido desenvolvido pela Marvel e foi um choque positivo muito grande ver as primeiras páginas da versão futurista do Escalador de Paredes que não era mais Peter Parker e sim Miguel O’Hara.

Para um moleque de doze anos todo o visual cyberpunk do Aranha 2099 era muito massa e é claro que eu fiquei maluco para ler mais sobre o universo onde aquele cara vivia. Por falta de grana, eu não consegui acompanhar os gibis onde eram lançadas as suas histórias no período, e só muitos anos mais tarde é que consegui comprar um encadernado da Panini onde todo o primeiro arco foi lançado. 

E sim, a nostalgia bateu forte.

Nos anos 1990 os X-Men eram o carro-chefe da Marvel e tudo que era lançado nas bancas com o "X" na capa vendia horrores.

Peter David ficou a cargo de escrever a nova versão do X-Factor e deu àqueles mutantes de time "B" da Marvel uma profundidade que ninguém mais tinha pensado em dar. 

É roteiro de David uma das passagens mais legais do Mercúrio onde o velocista explica numa sessão de terapia como é entediante o mundo à sua volta, já que ele enxerga como se tudo estivesse em câmera lenta o tempo todo.

Enquanto os X-Men saíam na porrada dia sim, dia não com o Magneto fazendo pose de halterofilista, os X-Factor estavam mais preocupados com a sua saúde mental e como os seus poderes podiam afetar as pessoas ao seu redor. Esse arco é muito bom.

De volta ao Hulk, em parceria com outro artista já saudoso, o George Pérez, Peter David deu vida também ao arco “Futuro Imperfeito”, onde o Bruce Banner do presente é obrigado a viajar para o futuro a pedido de um Rick Jones idoso e enfrentar a sua versão déspota imortal, o terrível Maestro.

Esse também foi outro arco que eu demorei a ler, mas que me conquistou de uma maneira muito rápida e que me fez entender porque era tão aclamada à época de seu lançamento.

Pulando o muro das editoras e falando um pouco de DC, Peter David também revolucionou alguns dos personagens mais conhecidos de lá, em especial o Aquaman.

Se hoje lembramos da figura do Rei da Atlântida como um sujeito casca-grossa, cabeludo e porradeiro, isso se deve à repaginada que Peter David deu ao personagem ali pelo final dos anos 1990.

Quem não se lembra daquela imagem icônica do Arthur cabeludo e barbudo com um gancho no lugar da mão decepada?

Ninguém levava esse personagem a sério até aquele momento — um cara que se comunica com peixes! —, e foi com base nos roteiros de David para o Aquaman que ele se tornou relevante para a DC a partir de então.

Outra grande contribuição de David para a DC foi a criação da Justiça Jovem que reuniu o Robin (Tim Drake), o Superboy (Conner Kent) e o Impulso (Bart Allen) numa mesma equipe que surgiu para substituir os Novos Titãs, que naquele fim de século — ali próximo dos anos 2000 — já não eram mais tão “novos” assim.

Aliás, o Impulso foi uma criação do Peter David e o personagem foi amplamente usado na animação Justiça Jovem da Warner que teve quatro ótimas temporadas e que usou muitos dos conceitos desenvolvidos pelo autor em seus diversos episódios.

É triste pensar que mesmo tendo criado tanta coisa para ambas as editoras, de ter contribuído para que tanto Marvel quanto DC faturassem milhões com seus personagens, David tenha morrido na pobreza quase completa.

Enfrentando vários problemas de saúde em decorrência a um AVC que sofreu há alguns anos, os familiares do autor precisaram recorrer a um financiamento coletivo pela internet — uma espécie de vaquinha — para poder custear os seus caríssimos tratamentos de saúde.

Por não haver um sistema como o SUS nos Estragos Fudidos, lá a coisa é muito mais pesada quando se trata de saúde, e ninguém que não seja milionário consegue custear esses valores.

Nem Marvel e nem DC se indignaram a pagar as despesas médicas de Peter David, mesmo ele tendo atuado por tantos anos como roteirista para as duas. No mundo do capitalismo selvagem em que vivemos, o seu nome de criador nos créditos de filmes, séries e animações aparecem bem pequenos no encerramento e isso é o máximo de “reconhecimento” que você terá por ajudar a empresa que te empregou a faturar milhões às suas custas.

Que descanse em paz, Peter David. As suas histórias ficarão para sempre em nossa memória.

NAMASTÊ!

O adeus a John Romita

Eu comecei a ler histórias em quadrinhos muito cedo. Fui influenciado pelo meu irmão mais velho que, esporadicamente, trazia um ou outro gibi de herói para dentro de casa. A grande maioria desses gibis eram de publicações dos anos 80 ou 70. Estávamos nos anos 90 e, naquela época, o que saía no Brasil pela Editora Abril era cronologicamente bem defasado com relação ao que era publicado lá fora.

Mas, quem se importava?

Eu era um moleque magrelo e tímido que não saía de casa. Ler gibis era o meu passatempo preferido naquela realidade reclusa e introvertida. Como meu irmão tinha uma predileção pelas revistinhas do Hulk, do Capitão América e do Homem-Aranha, aquele material abundava lá em casa.

Eu não tinha muita noção de quem escrevia o quê ou de quem desenhava o quê, mas em meio àqueles inúmeros títulos e de suas variadas histórias, um cara logo ganhou destaque a meus olhos. Em especial, no que se referia a visual dos personagens.

De repente, não era mais um amontoado de “desenhinhos” indefinidos nas páginas. Eu agora conseguia distinguir o seu traço, a pegada do estilo no que ele rabiscava.

Um nome logo começou a aparecer frequentemente naquele rodapé de página, lá naquele cantinho onde eu nunca prestava a atenção. Seu nome era John Romita.

A primeira edição que me chamou completamente a atenção para a maneira como ele desenhava os personagens foi A Teia do Aranha nº 22, que por aqui, foi publicada em 1991 pela Abril, e que deve ter chegado às minhas mãos uns dois ou três anos depois.

Além do fato de que as duas primeiras histórias desse compilado de aventuras dos anos 70 tratava do relacionamento — romântico? — entre a tia May e o Doutor Octopus, o grande destaque dessa aventura era o fato de que o Homem-Aranha estava usando uma máscara que deixava aparecer seus olhos “humanos”, sem o tradicional visor branco para cobri-los.

E a tia May atirava contra ele, sem saber que estava prestes a matar o próprio sobrinho! Esse, aliás, é o grande chamariz da capa dessa edição.

Eu perdi as contas de quantas vezes li esse gibi. De maneira geral, essa nem era uma das histórias mais impactantes e/ou revolucionárias para o cânone do personagem, mas eu viajava em suas páginas observando os detalhes mínimos da técnica perfeita de Romita.

Influenciado pelos gibis, lá nos anos 90, eu já rabiscava meus garranchos em papel sulfite como forma de expressão, mas não entendia coisa alguma de design. Apenas apreciava o que via e me transportava para Nova York junto com ele, enquanto o Aranha se balançava de um prédio a outro da cidade.

Apesar da minha ignorância artística, eu já achava que aquele cara de nome italiano tinha um “tcham” diferente. Ele era mais técnico que os outros. Os seus “bonequinhos” possuíam expressões marcantes e o seu Homem-Aranha, em específico, parecia saltar de verdade por entre as páginas.

As expressões marcantes nos rostos desenhados por Romita

Além de Gil Kane — outro dos caras que eu reverencio muito quando se trata de Aranha —, eu raramente vi alguém que conseguia imprimir tanto os sentimentos dos personagens nos desenhos quanto o Romitão. Era impressionante o que ele conseguia fazer com um lápis e o nanquim!

Eu curtia o Steve Ditko, artista que, não obstante, tinha sido o primeiro cara a desenhar o Homem-Aranha desde a sua criação, lá em 1962. Mas quando o Romitão assumiu o título daquele que já era um dos principais personagens da Marvel, a mudança de traço era muito impactante e, para mim, bastante significativa.

Outra publicação da Abril que eu lia e relia, mês sim, mês não, era a “Marvel Especial: Homem-Aranha x Duende Verde” que, por aqui, saiu em 1986. Diferente dos tradicionais gibizinhos de 82 páginas, essa edição era um pequeno calhamaço de mais de 100 páginas, o que deixava esse jovem e esquisito estudante de ensino fundamental bastante entretido por várias horas.

Nessa edição específica, era possível ver a transição entre Ditko e Romita, já que é na emblemática história em que o Duende Verde descobre a identidade secreta do Homem-Aranha que Romita faz a sua explosiva estreia no título do Escalador de Paredes, substituindo o cocriador do personagem como artista regular.

Além disso, Romita também é o responsável pela cocriação de Norman Osborn, podemos dizer assim, já que ele é o primeiro cara a nos revelar, afinal, quem se escondia por trás da misteriosa máscara verde do vilão voador.

Outros destaques de John Romita Sênior à frente do título do Homem-Aranha é a aventura em que, Peter Parker, vencido por um resfriado, começa a delirar e, sem querer, acaba revelando a sua identidade para Gwen Stacy e todos os seus amigos em uma festa. No Brasil, essa história foi republicada em A Teia do Aranha nº 13.

Na edição seguinte, a de nº 14, ocorre outro evento emblemático para a trajetória do Homem-Aranha — e que na recente animação do Aranhaverso, é tratado como um evento canônico nas linhas temporais do personagem —, a morte do capitão George Stacy, o pai da Gwen, também desenhada por Romita, e que, inclusive, foi referenciada na própria animação do Aranha.

Referência à morte do Cap. Stacy em Homem-Aranha: Através do Aranhaverso

John Romita Sênior contribuiu ainda para a criação do Wolverine e do Justiceiro — o primeiro, em parceria com Len Wein, e o segundo, em parceria com Gerry Conway, que escrevia as histórias do Aranha nos anos 70, Ross Andru, o primeiro cara a desenhar o personagem e, claro, Stan Lee, que tendo participado ou não do processo, sempre assinava todas as criações de personagens da Marvel na época.  

Romita não ajudou somente a desenvolver os visuais de personagens importantes para o universo do Homem-Aranha como o já citado Norman Osborn, como também foi o responsável pela primeira composição imagética da Mary Jane — que era citada nas histórias desenhadas por Steve Ditko, mas que nunca tinha aparecido, de fato.

Eu era completamente apaixonado pela Gwen Stacy nesse período de republicações da Teia do Aranha, pelo motivo óbvio de que ela era o principal interesse romântico do Peter Parker e a “namoradinha” que todo moleque de doze anos sonhava em ter: bonita, inteligente, esperta e muito fofa.

Apesar disso, era inegável que a Mary Jane de John Romita era um espetáculo. E não só porque era uma gata ruiva cheia de curvas, mas pelo charme que ela transbordava nas páginas desenhadas por ele. Dando em cima do Flash, do Harry ou mesmo arrastando asas para o comprometido Peter, com seu jeitão “descolado” de ser.

É importante ressaltar que o visual dos personagens compostos por Romita nos gibis do Aranha marcou uma época. Olhando hoje para os desenhos, é impossível não reparar a influência que os alucinógenos anos 70 têm nas páginas, tanto nas vestimentas dos coadjuvantes do universo “Aranhístico” como no próprio Peter, com suas costeletas longas, os coletes e as calças boca-de-sino que usava.

Eu amava ler esses gibis antigos porque era sempre um mergulho em uma época que eu não vivi. Eu me via fazendo parte de um mundo que me era estranho para um garoto crescido nos anos 90, mas que me parecia mágico — e entorpecente! — mesmo assim.

John Romita Sênior não representa para mim apenas “mais um desenhista” entre as centenas de outros que passaram pelos títulos do Homem-Aranha, mas o cara que, com a absoluta certeza, definiu a imagética do personagem principal e de seus coadjuvantes desde a sua estreia como artista da revista.

Quando penso em Flash Thompson, J.J. Jameson, Robbie Robertson e na própria Gwen Stacy — aquela do arquinho nos cabelos! — é o traço de Romita que me vem fundamentalmente na cabeça até hoje.

Com a passagem desse mito dos quadrinhos, nós perdemos a presença física de mais um dos grandes mestres dos primórdios da Marvel, mas ganhamos outro ídolo no já célebre panteão dos artistas que fizeram e MUITO a diferença aqui na Terra.

Salve John Romita. Salve o mestre. Descanse em paz.

Leia também "Top 10 - Maiores Desenhistas do Homem-Aranha" — na minha humilde opinião —, post de 2010 onde decidi ranquear meus artistas preferidos de passagem pelas histórias do Escalador de Paredes. Adivinhem quem ficou em primeiro?

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Estamos passando por questões de saúde que necessitam de dim-dim para sanar. Desde já, agradeço o apoio!

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NAMASTE!

Para Ana Luiza

No último dia 17, eu e a minha família perdemos a Ana Luiza, de 26 anos, para o câncer. 

Sua luta contra a doença durou apenas alguns meses entre a descoberta, o tratamento com a quimioterapia e os resultados negativos após a mastectomia. 

Em suas redes sociais, com uma fé que parecia inabalável, em nenhum momento ela pareceu duvidar de sua cura. Teve que pedir ajuda aos amigos e familiares para se manter firme com os custos do tratamento, mas não desanimou um só instante. Acreditou que ia ficar bem até o fim.

Ela e eu não éramos primos próximos. Sempre morávamos em cidades muito distantes em São Paulo. Era um daqueles casos de familiares que se perdem um do outro durante anos e que se reencontram muito tempo depois com já todo mundo crescido e estabelecido. 

Minha empatia por ela foi meio que instantânea. São-paulina fanática estampava em todos os lugares para quem quisesse ver o quanto amava o nosso Tricolor Paulista. 

Durante anos, fomos "companheiros" inseparáveis de elogios, birras, críticas e muito lamento – esse principalmente nos últimos anos! – com esse time por meio do Twitter e era lá que tínhamos a nossa ligação mais forte. 

Ela dizia que o Twitter "não era lugar para família cuidar da nossa vida" e como todo mundo, usava o espaço de poucos caracteres como diário da vida. Eu era família também, mas como ela dizia, era bem-vindo. 

Por razões que só a vida pode explicar, eu encontrei a Analu apenas uma vez pessoalmente e foi – pasmem – num velório há alguns anos. Já a conhecia por fotos e claro, tínhamos contato pelas redes sociais. Ao vivo, nunca. 

Nossas famílias eram bem distantes uma da outra e as reuniões familiares passaram a rarear cada ano mais com os falecimentos naturais de parentes mais velhos. 

Apesar disso, eu a considerava como alguém próximo. As redes sociais nos fazem sentir como se a pessoa do outro lado estivesse "logo ali" e de um jeito ou de outro, ela estava sempre conversando comigo com suas postagens no Twitter. 

Linda. Alegre. Sincera. Essa era a Ana Luiza que eu conhecia. Não consigo imaginá-la de outro jeito. 

A partir do momento que ela deu entrada no hospital já em estado grave, eu passei a questionar o quanto todo esse sofrimento era injusto. 

Como alguém tão jovem e com tanta coisa ainda para viver pode passar por algo tão terrível?

Que tipo de justiça divina é essa que permite que uma moça tão cheia de fé em sua cura possa ser violada dessa maneira por uma doença tão feroz que não perdoa ninguém? 

E por que ela, que queria tanto viver?

Por que não eu que passei os últimos dois anos praticamente pedindo pra ser levado daqui porque já não acreditava mais em nada e não tinha mais nenhum propósito de vida? 

Às vezes, eu acho que se tem mesmo alguém lá em cima olhando tudo isso acontecer sem reação alguma, é alguém de puro sadismo.

E às vezes, eu acho que não existe ninguém. 

Analu, como seu amigo distante, eu desejei muito a sua cura. Até o último segundo acreditei que você fosse sim ser abençoada com uma melhora em seu quadro de saúde e que em breve estaria entre nós mais uma vez, abraçando seus entes queridos, vibrando com o São Paulo – nos momentos bons e ruins –, revendo seu Toy Story, curtindo seu Coldplay, jogando seu Free Fire, dando apertões carinhosos na sua Tereza e abrindo esse sorrisão lindo que tu tinha.  

Infelizmente, o universo não quis assim.

Nos vemos em breve então, quem sabe. Eu vou com a camisa do Tricolor, que tal? Eu e você na torcida lá de cima gritando muito, xingando palavrão… ia ser hilário! 

Fica em paz prima! Você foi, é e sempre será incrível! Nós te amamos!

P.S. - Parei de usar o Facebook há algum tempo e não o tenho mais instalado no celular. Apesar disso, mantenho o Messenger para algum tipo de emergência, sei lá. 

Há alguns dias, quando a Ana Luiza ainda estava em tratamento regular, eu mandei uma mensagem perguntando como ela estava passando por tudo isso. A ideia era bater um papo, manter uma proximidade, passar algum tipo de esperança, embora ela já a tivesse de sobra. Como a mensagem ficou sem resposta por um tempo, achei que ela não tivesse visto ou não tivesse ligado. 

Ao abrir o Messenger recentemente, descobri que ela tinha me respondido dia 08/09, apenas 5 dias antes de ser internada pela última vez. O app não me notificou e eu jamais vou ter a chance de responder aquela pergunta. 

P.S. 2 - Vou sentir falta de assistir futebol e depois ler os comentários da Analu marrenta no Twitter. A bicha era braba!

Os jogos do São Paulo nunca mais vão ser os mesmos sem ela...

NAMASTE!

Adeus a Paulo Gustavo

Vou começar o post com uma frase clichê que sempre é dita quando um humorista se vai, mas que representa exatamente o momento atual: hoje o Brasil ficou mais triste com a passagem de Paulo Gustavo.

É muito complicado tentar exprimir em palavras o que a gente sente quando alguém tão popular, que de certa maneira faz parte da nossa vida, se vai e é preciso ter um poder muito raro de concisão para colocar num texto tudo que acaba saindo no calor do momento, por isso, eu nem vou tentar. Vou falar aqui com o coração mesmo, desprovido de coesão, razão ou qualquer poder de síntese. Vai ser no improviso.

Eu conheci o Paulo Gustavo, até meio tardiamente, já no palco do Vai que Cola — humorístico do canal Multishow —, vários anos depois dele já ter despontado com suas peças teatrais de sucesso e os filmes estrelados no cinema nacional. Eu chegava do trabalho mais ou menos por volta das 20:00, às vezes mais tarde, tomava um banho, esquentava alguma coisa pra comer e ia pra frente da TV assistir ao programa basicamente todos os dias da semana. Em pouco tempo, virou um vício na casa da minha mãe e a gente ria muito assistindo os improvisos e a “trocação” que o ator fazia “ao vivo” com os colegas de humor Samantha Schmütz, Marcus Majella e — na época da 1ª temporada — Fernando Caruso. Aliás, por mais que o texto do sitcom brasileiro fosse realmente engraçado e a direção de cena muito competente, eram mesmo as falas fora do script que davam o verdadeiro tom da atração. Era impossível não cair no riso.

Fazia muito tempo que eu não assistia TV e menos ainda programas ditos humorísticos com aquela coisa mais quadrada cheia de bordões ensaiados como “A Praça é Nossa” ou o antigo “Zorra Total”. Eu já não achava mais graça de coisas assim e nem perdia meu tempo vendo. O Vai que Cola e em especial o humor “bagaceiro” do Paulo Gustavo é que me fez gostar novamente de atrações assim e ele com seus personagens caricatos e exagerados nos fazia rir genuinamente, sem aquela forçada — o sorrisinho amarelo — que às vezes nos permitimos só para não admitir que estamos é constrangidos pelas piadas sem graça. E nem estou falando do Valdomiro, o personagem pilantra que Paulo interpretava no sitcom desde a primeira temporada, aquele que adorava falar mal do bairro do Méier do Rio de Janeiro — onde se passava a história — de sacanagem. Como ele mesmo costumava brincar com o amigo Majella — e esse diálogo aparece até no primeiro filme baseado no programa — os dois não sabiam interpretar personagens héteros. O grande talento de Paulo estava mesmo em fazer graça na pele de mulheres ou gays rasgadíssimos, algo no qual ele era insuperável.

A gente nem mede o sucesso de Paulo Gustavo ou sua importância para o mundo do humor por ele fazer a nossa geração rir, mas sim dele ter uma capacidade impressionante de atingir as nossas mães, as nossas avós, um público mais antigo que não está acostumado ou mesmo faz esforço para entender que homossexuais existem e merecem tanto espaço quanto qualquer outra pessoa, seja de qual orientação for. A gente que teve tempo de se informar mais, de procurar entender o outro com empatia vê em Paulo Gustavo — homossexual assumido desde sempre — apenas um cara engraçadíssimo que tem uma facilidade fenomenal de causar risos falando de sexualidade, mas nossos pais são da época em que “viado”, “sapatão” ou qualquer outro apelido mais pejorativo eram comuns e que “esse tipo de gente” não deveria ter tanto espaço. Em rede nacional, quase no horário nobre, Paulo Gustavo foi lá e fez as nossas mães rirem com piadas sobre sexualidade, com shows de drags e muita “pinta”, coisas impensáveis há vinte, talvez trinta anos.     

Minha mãe já disse frases como “eu não vejo nenhuma graça nesse novo Zorra”, quando o programa tentou uma abordagem menos machista, menos homofóbica e fazendo um humor mais consciente nas noites de sábado da Globo. Ela dava risada vendo o Didi chamar o Mussum de “urubu” na época dos Trapalhões, gostava de quadros como “dá uma subidinha” — cheio de sexismo — protagonizados no Zorra Total pelo também saudoso Agildo Ribeiro e odeia programas como Casseta & Planeta e o humor mais atual de atores como Marcelo Adnet, Tatá Werneck ou Rodrigo Sant'Anna. Ah, mas do Paulo Gustavo ela gostava. E muito! Eu ouvi da boca dela que o Vai que Cola só tinha graça quando tinha o Valdomiro e que quando ele saiu lá pela terceira ou quarta temporada, sei lá, segundo ela, o humorístico tinha perdido a graça.

A catarse e a entrega total pelo talento do humorista de 42 anos veio mesmo com seu papel essencial da carreira e quando eu coloquei para passar Minha Mãe é uma Peça para a MINHA mãe assistir, não tinha mais como negar ao vê-la gargalhar em frente à TV: Paulo Gustavo tinha mesmo o poder de reunir várias gerações com sua interpretação PERFEITA da matriarca ciumenta, desbocada e barraqueira, mas que tinha em sua essência aquele coração enorme que a gente identificava também em nossas mães. Há um pouquinho da Dona Hermínia na minha mãe e tenho certeza que quem está lendo esse texto vai balançar a cabeça nesse momento, concordando com o que digo e pensando “na minha também! ”. O talento de se entregar tanto ao seu trabalho ao ponto de abraçar virtualmente inúmeras pessoas de credos, culturas e orientações diferentes é raríssimo. Talvez eu tenha visto em alguma figura do esporte, da política ou mesmo de outras áreas da TV que não a das artes cênicas, mas nesse ramo do humor jamais.

O dublador e ator Guilherme Briggs sintetizou esse pensamento de maneira muito lúcida em sua conta do Twitter e eu não teria maneira de incorporar em meu texto sem usar suas palavras exatas, por isso farei um quote direto do que ele disse:

“O objetivo do artista é dar mais do que aquilo que tem. E assim fez o amado Paulo Gustavo, que se doou de tal forma, com tanto amor e intensidade, com tanta entrega e desenvoltura, que agora ele se transferiu de corpo e alma para dentro do coração do Brasil, para sempre. ❤”

E é isso! É uma tristeza muito grande ver um artista com um talento tão grande ser levado dessa maneira tão brutal por uma doença que já arrastou com ela mais de 400 mil vidas e que pasmem, já tem uma vacina. Enquanto choramos a morte de Paulo Gustavo, mais outras 400 mil famílias também choram por seus entes queridos, pais, mães, avós, irmãos, namoradas e tias, todos levados, sobretudo, pela negligência de um governo negacionista que podia ter feito muito mais pela população em todos esses meses e que preferiu se omitir, fingindo que tudo não passava de uma marolinha no oceano e não o verdadeiro tsunami que acabou sendo a pandemia de Covid-19.

Estamos tristes, machucados e já sentimos muito a perda de Paulo Gustavo, mas ao mesmo tempo, esperamos que depois de tanta luta, que depois de mais de 50 dias de internação, ele possa enfim descansar em paz e que lá de cima esteja olhando por seus entes queridos, a mãe — a grande inspiração para a Dona Hermínia —, sua irmã, seu marido e os dois filhos que infelizmente crescerão sem a sua presença maravilhosa aqui na Terra. Um cara gay que conseguiu reunir inúmeras tribos fazendo rir e que arrecadou com um filme mais de 140 milhões em bilheteria — a maior do Brasil — num país que nem sequer valoriza o próprio cinema. Isso não é pra qualquer um! Sua passagem por nossas vidas foi breve, como um meteoro no céu, mas seu trabalho jamais será esquecido. Descanse em paz, querido. Obrigado pelas noites de gargalhadas.

 

“… contra o preconceito, a intolerância, a mentira a tristeza já existe vacina: é o afeto, é o amor! ”.

NAMASTE!

O adeus a Dário de Castro, Carlos Marques, Ana Lúcia Menezes e Iara Riça

Não tem sido um mês fácil para os familiares dos dubladores e fãs da dublagem brasileira. Num intervalo de pouco mais de três semanas o Brasil perdeu quatro dos mais especiais e talentosos artistas do meio e tudo que podemos fazer nesse momento é prestar uma homenagem a Dário de Castro, Carlos Marques, Ana Lúcia Menezes e Iara Riça.

DÁRIO DE CASTRO

Recentemente, eu citei o nome de Dário num post sobre a animação dos X-Men dos anos 90 e ele faleceu no último dia 15 por decorrência de complicações do Covid-19, vírus que já interrompeu quase 400 mil vidas só no Brasil. 

Dário tinha 72 anos e trabalhava há mais de 40 com atuação e direção de dublagem. Na série animada dos X-Men dos anos 90, ele dublou o líder da equipe Ciclope da segunda temporada em diante, após a saída de Nilton Valério e é muito comumente lembrado também por ser a voz do Caçador de Marte em Liga da Justiça e Liga da Justiça Sem Limites. 

No cinema, Dário de Castro também foi por anos a voz mais conhecida de Dolph Lundgren, além de dublar os atores Liam Neeson, William Hurt e Russel Crowe, em especial no filme Gladiador (2000). Ele deixa um legado imenso na dublagem brasileira que vai poder continuar sendo referenciado por muito tempo após sua partida. 

CARLOS MARQUES

O veterano Carlos Marques de 88 anos faleceu no último dia 19 por causa não revelada pela família em Minas Gerais. Atuante desde os anos 50 como radialista, passou por quase todos os estúdios de dublagem nos anos subsequentes, incluindo a Dublasom Guanabara e a Herbert Richers.

Entre seus trabalhos mais marcantes estão a voz do Garfield no desenho dos anos 80, o Homem Aranha no seriado live-action dos anos 70 — e também na animação Homem Aranha e seus Incríveis Amigos —, o Gaguinho e o Patolino dos desenhos Looney Tunes e o Robin dos Superamigos. Menos conhecido pelo grande público, era voz muito popular em séries e filmes dos anos 80 e serviu como base para todos os dubladores que vieram em seguida, incluindo caras como Marco Ribeiro, Alexandre Moreno e Guilherme Briggs.

 

ANA LÚCIA MENEZES

Aos 45 anos, Ana Lúcia Menezes lutou por vários dias em coma no hospital após sofrer um AVC no último dia 13. A dubladora estava em casa quando sofreu o acidente vascular e foi socorrida por uma amiga médica e pela família. Em estado grave, ela veio a falecer no dia 19, deixando amigos e familiares — incluindo a filha Bia Menezes, também dubladora — bastante abalados.

Entre seus trabalhos de destaque estão a Misa Amane de Death Note, a Lupita (Maitê Perroni) de Rebelde, Chihiro em A Viagem de Chihiro, a Murta que Geme dos filmes Harry Potter e a Tonya de Todo Mundo Odeia o Chris. Ela era bastante marcada por fazer vozes de crianças ou personagens mais jovens e entre todos os dubladores que nos deixaram recentemente era também a mais jovem deles. 

IARA RIÇA

Meu coração está despedaçado em ter que escrever esse post e falar sobre o falecimento de Iara Riça sendo tudo tão fresco ainda. Tendo sofrido um aneurisma cerebral, a atriz vinha lutando bravamente nos últimos dias pela sobrevivência, tendo até um quadro de melhora recente que infelizmente não se converteu em sua saída do hospital. 

A artista de 56 anos fez história na dublagem nacional e faz parte do quadro das vozes mais reconhecidas do grande público por ter sido, no Brasil, a pessoa por trás da Arlequina em praticamente todas as produções animadas e live-action em que a personagem apareceu. Quando a palhaça do crime surgiu no desenho animado do Batman dos anos 90 (Batman Animated) já era Riça quem a dublava e de lá pra cá foram diversos outros trabalhos memoráveis. 

Só na época de TV Colosso, quem é velho como eu, deve lembrar que era ela quem também dava voz à Jubileu dos X-Men e à Triny dos Power Rangers. Nos anos subsequentes, ela deu voz à Florzinha das Meninas Superpoderosas, a Lala dos Teletubbies e a Jean Grey de X-Men Evolution.

Em 2020, Iara foi bastante comentada na mídia porque sua voz foi substituída por outra dubladora como a Arlequina (Margot Robbie) do filme Aves de Rapina e muitos fãs reclamaram por já estarem acostumados com ela frente a personagem. 

Iara deixa um legado igualmente maravilhoso com sua passagem, além de muitas saudades por parte de seus familiares, amigos e nós, seus fãs. 

Que todos essas pessoas incríveis descansem em paz, são os votos do Blog do Rodman.

Agradecimentos a Universo X-Men, a Jbox, Legião dos Heróis e Tecmundo.

NAMASTE!  

A Maior Bilheteria de 2015 (até aqui!)

Em Maio e Junho, o Blog do Rodman colocou no ar uma enquete para que os leitores opinassem qual seria a MAIOR BILHETERIA de 2015, e seis grandes Blockbusters foram colocados no páreo.

Com 48% da preferência do público, Vingadores 2 - Era de Ultron foi o grande campeão, deixando Star Wars - O Despertar da Força em segundo (34%), Velozes e Furiosos 7 (7%) em terceiro, seguido de Jurassic World (4%) e Jogos Vorazes - Esperança Parte 2 e Cinquenta Tons de Cinza empatados com 2% da preferência. 

Assim como o grande público, eu também esperava BEM MAIS de Era de Ultron (resenhado aqui), um dos filmes mais aguardados do ano, só que o filme da Marvel não só perdeu em bilheteria para Velozes e Furiosos 7, como nem sequer conseguiu alcançar seu antecessor Vingadores (2012) no ranking de MAIORES bilheterias do mundo, que também foi atropelado pela franquia liderada por Vin Diesel, caindo para quarta posição. Jurassic World também bateu o primeiro Avengers no quesito melhor estreia em um final de semana, arrecadando US$ 208.806.270. 

Quem diria, hein!

Nunca na história desse país do cinema, a sétima parte de uma franquia conseguiu tanto destaque e popularidade, e Velozes e Furiosos 7 conseguiu mostrar que mesmo uma série de cinema tão extensa consegue SIM renovar seu fôlego e se manter interessante para o público, coisa que outras franquias como Jogos Mortais (também com 7 filmes) e Sexta-Feira 13 (com 12 FILMES... 12... Desgraçados... Filmes!) nunca conseguiram.

Mas Rodman, Fast & Furious 7 só conseguiu tanto destaque por causa da morte do Paul Walker!

Isso não é bem mentira. Paul Walker era um dos protagonistas da série Velozes e Furiosos desde o início, ele fazia as vezes do cara bonitão e bom moço que conquistava boa parte do público. Com o passar dos filmes, ele melhorou muito em atuação, e seu personagem cresceu e se desenvolveu a tal ponto que ele conseguia dividir espaço com o brucutu Vin Diesel. A relação de Brian e Toretto só melhorou depois que eles pararam de rivalizar e se tornaram amigos (amigos não... Família!), e pra quem acompanhou a saga toda até o sétimo filme, é de cortar o coração a forma como a história é obrigada a se encerrar após o trágico acidente que vitimou Paul Walker em 2013.

Muito gente criticou o filme por ele ter uma história superficial e com mais furos que queijo suíço (como se isso fosse alguma novidade em Velozes e Furiosos!), mas as pessoas que se ligaram nos filmes desde o primeiro têm sim o direito de se emocionar com os momentos finais de Velozes 7, que é uma linda homenagem da equipe de direção, da produção, do estúdio e PRINCIPALMENTE do elenco para com o amigo que se foi de forma tão dolorosa, deixando cenas inacabadas a serem filmadas e uma dura tarefa aos irmãos de Walker e aos animadores da WETA em recriarem o rosto do ator digitalmente para que o filme fosse, enfim, concluído após uma paralisação de quase um ano.

O resultado?

Quer saber? Velozes 7 é um PUTA de um filme de ação, igual a aqueles que a gente assistia quando era pequeno (Rambo, Comando para Matar, Duro de Matar), tão descerebrado quanto e tão divertido quanto. Me diverti pra caralho com as cenas de luta entre Jason Statham e The Rock, Paul Walker e Tony Jaa (Ong Bak) e a treta final entre o Toretto e o irmão de Owen Shaw (do Sexto Filme) Deckard, vivido por Jason Statham. E como bate esse filho da puta!

As cenas impossíveis estão lá, SIM, as marmeladas que seriam impossíveis de acontecer na vida real estão lá, SIM, mas é isso que queremos ver quando se trata de Blockbuster. Velozes e Furiosos tem nos entregado tudo que queríamos ver em Os Mercenários e que até agora não rolou, por isso dou uma nota 9 ao filme.

Por enquanto galera, a bilheteria (Mundial) dos filmes que entraram na enquete está assim:


1- VELOZES E FURIOSOS 7 - US$ 1.511.636.779
2- JURASSIC WORLD - US$ 1.465.838.000
3- VINGADORES 2 - US$ 1.388.522.000
4- CINQUENTA TONS DE CINZA - US$ 569.651.467


Vale lembrar que da lista, os únicos que ainda não estrearam foram O Despertar da Força, que é um forte concorrente a BLOCKBUSTER DO ANO e o capítulo final da Saga Jogos Vorazes Esperança - parte 2. Será que algum deles consegue superar Velozes 7 e Jurassic World?

NAMASTE!